martes, 18 de febrero de 2020

Zodiac - David Fincher (2007)

Segunda película de David Fincher que analizo en el blog, después de “La red social”, la película que dio inicio a este espacio. Bien es sabido por mis más allegados que Fincher es uno de mis directores predilectos, y siempre estoy dispuesto a revisionar alguna de sus películas. Vamos allá.

Sinopsis: “Zodiac” fue un asesino en serie que acabó con la vida de numerosas personas en San Francisco entre 1966 y 1978, al mismo tiempo que enviaba cartas a ciertos periódicos con pistas. La trama se centra en la investigación de dos detectives que trataron de darle caza, y en el trabajo de investigación de dos periodistas que intentaron averiguar su identidad.

La película comienza con la recreación de uno de los asesinatos de “Zodiac”, poniéndonos en contexto, y dejándonos pegados al asiento desde los primeros instantes. A partir de aquí, todo comienza a fluir con el ritmo al que Fincher nos tiene acostumbrados en sus thrillers.

La primera parte de la película transcurre como un tiro, y funciona perfectamente. Poco a poco nos adentramos en la investigación, hasta que llegamos al punto que Fincher quiere que lleguemos. Consigue que nos metamos tanto en la historia, que de repente, todo comienza a ralentizarse, todo es más pausado y cerebral, dando pie a la segunda parte de la película, en la que se incluye un estudio de los principales personajes y de cómo esta historia les afecta en su vida cotidiana.

Se recrea así una historia obsesiva, inteligente y perfectamente narrada, con momentos de máxima tensión que rozan el terror. Sin embargo, es cierto que en algunos momentos puede hacerse un poco larga, y me preguntaba si verdaderamente eran necesarios esos 157 minutos de duración. Y la respuesta es clara, sí. Estamos hablando de David Fincher, uno de los mayores genios del thriller y el suspense de las últimas décadas, por lo que cualquier flaqueza en cuanto al ritmo de la película se le perdona, pues el resultado general es bastante satisfactorio, regalándonos más de dos horas de puro entretenimiento.

El montaje es muy del estilo de Fincher, con multitud de planos y tomas que en lugar de entorpecer la narración de la historia, aportan un dinamismo al alcance de pocos. Pese a todo, no me pareció la película de Fincher con el montaje más “loco”.

El reparto es de primer nivel: Jake Gyllenhaal, Mark Ruffallo y Robert Downey Jr., que encarnan a los tres personajes principales. Gyllenhaal está en su línea, en la de ser uno de los mejores actores de su generación. Sin embargo, no me pareció una de sus mejores actuaciones. Downey Jr da vida a un periodista alcohólico y prepotente que le va como anillo al dedo al carismático actor de Nueva York. Pero, para qué engañarnos, tengo la sensación de haberle visto este papel en multitud de ocasiones. Nada nuevo.

El que más me sorprendió fue, para mi sorpresa, Mark Ruffallo. No soy muy fan de este actor, y pienso que es el que mejor está de los tres, en un registro un tanto diferente al que nos tiene acostumbrados.

La fotografía de la película es tremendamente oscura, con una paleta de colores muy apagados que influyen directamente en el relato, transmitiendo inseguridad, peligro, misterio, incomodidad…

En general, es un largometraje que me dejó con buenas sensaciones y que me mantuvo durante dos horas y media con los ojos como platos por la fuerza de su historia, pero no creo que sea una de las mejores películas de la filmografía de David Fincher. Más allá de eso, es muy recomendable.

Puntuación: 7’8/10


Aquí les dejo el trailer en versión original.






jueves, 13 de febrero de 2020

El hilo invisible - Paul Thomas Anderson (2017)

Tras tres años de inactividad, he decidido volver por aquí e intentar retomar esta vieja afición... volvemos a empezar. 

Sinopsis. Año 1950, Londres. El modisto de renombre Reynolds Woodcock y Cyril, su hermana, lideran la moda británica, vistiendo a cualquier mujer elegante de la época, incluyendo miembros de la realeza. Un día, Reynolds conocerá a Alma, que se convertirá en su musa y amante, lo que supondrá una alteración en su vida extremadamente cuidada y planificada.

Más allá de cualquier apreciación que se haga, esta película siempre será recordada por ser la última en la que Daniel Day-Lewis participó como actor, dando por finalizada una carrera espectacular, con tres Oscar a mejor actor principal a sus espaldas.

Las películas de Paul Thomas Anderson siempre son especiales de una forma u otra. En esta ocasión nos regala una exhibición de estilo y sofisticación a la altura de pocos. De ritmo pausado y con un profundo estudio de sus dos personajes principales, todo se embellece con unos planos y una fotografía de belleza incuestionable.

El film puede parecer un poco lento en ocasiones, dando la sensación de que no ocurre nada que merezca nuestra atención, pero desde mi humilde punto de vista es aquí donde está la clave de la película. Thomas Anderson realiza un estudio a fondo de sus personajes, que se cuece a fuego lento, con algunos momentos de violencia psicológica entre Reynolds (Woodcock) y Alma (Vicky Krieps) que son desconcertantes en ocasiones.

De hecho, si tuviese que definir la relación entre ambos personajes usaría esa palabra: desconcertante. Podría etiquetarse por lo que hoy consideramos como una relación tóxica, y es así. Sin embargo, en este caso concreto ninguno de los dos sale perdiendo.

Alma consigue lo que quiere en un principio, pero acaba siendo utilizada por Reynolds y Cyril, la hermana de este, siendo relegada a un plano completamente secundario en el que llega a convertirse prácticamente en un objeto. No obstante, las tornas cambian, y Alma descubrirá cómo conseguir que Reynolds le de lo que ella quiere.

Es en esa tensión entre los dos donde radica esa violencia psicológica antes mencionada que marca por completo la película, y que nos permite ver cómo ambos personajes acaban consiguiendo lo que quieren al mismo tiempo que se amoldan a lo que uno quiere del otro.

Daniel Day-Lewis, como siempre, está espectacular. Da vida a un personaje atormentado, que tiene todo lo que quiere, pero cuya vida no existe, pues se limita a refugiarse en su trabajo. Su vida está completamente controlada por sus hábitos y manías. Todo está planificado, nada se sale de lo estipulado, sin perder (prácticamente nunca) las formas en ningún momento. Day-Lewis consigue transmitirnos perfectamente ese tormento personal, su incomprensión e intransigencia hacia lo ajeno, y sus anhelos sentimentales, los cuáles no es capaz de conseguir por su excesiva dedicación al trabajo.

En esa vida tan dirigida entra en acción su hermana Cyril (Lesley Manville), que es una especie de secretaria/empresaria que dirige toda la logística del negocio que ambos poseen. Se adapta completamente a las exigencias de su hermano, sin poner en duda todos sus hábitos y dándole todo lo que necesita para que trabaje, lo cual le beneficia. Pero al mismo tiempo, sabe (o cree saber) lo que su hermano quiere y necesita. Manville consigue que su personaje, de carácter tranquilo y de pocas palabras, transmita un magnetismo que hace que cada vez que aparece en escena se sienta una cierta sensación de “peligro” que puede afectar a Alma.

Especial mención merece el diseño de vestuario de la película, con multitud de vestidos “haute couture” que suponen un claro reflejo de lo que era el diseño de la moda en aquellos años.

La banda sonora también acompaña muy bien a la película, añadiendo un toque más de delicadeza y belleza que conecta sin problemas con la historia que se nos está narrando.
Anderson nos deleita así con un film que no dejará indiferente a nadie (en ocasiones para mal, en mi caso para bien) y que cuenta con una lectura mucho más profunda de lo que puede parecer en un principio.

Me gustaría resaltar la escena final, en la que esa violencia psicológica se transforma prácticamente en terror, añadiendo una tensión a la escena que la ensalza y la convierte en un gran cierre para la película, cerrando el círculo entre ambos personajes.

Puntución: 8’1


Aquí les dejo el trailer en versión original subtitulado en español.



lunes, 23 de enero de 2017

Silencio - Martin Scorsese (2016)

Ver una película de Martin Scorsese siempre es una experiencia cinematográfica. Es uno de los grandes directores de la historia de Hollywood y leyenda viva del séptimo arte. “Silencio”, su última película, se había convertido en una especie de obsesión para el director. Llevaba intentando llevar a cabo el proyecto desde los años 80, y tres décadas después lo ha conseguido.

La trama es la siguiente: en la segunda mitad del siglo XVII, dos jesuitas portugueses viajan a Japón en busca de un misionero que, tras ser perseguido y torturado, ha renunciado a su fe. Ellos mismos vivirán el suplicio y la violencia con que los japoneses reciben a los cristianos.

“Silencio” es una de esas películas que requiere la atención del espectador desde el primer momento. Reconozco que no es una película fácil de ver, las dos horas y cuarenta minutos de metraje pueden hacerse pesadas si uno no va a verla con la predisposición adecuada. Han de saber que no hay acción. Nada, cero. Esta no es una película más de Scorsese, de hecho es muy diferente a todo lo que el director americano nos tiene acostumbrados. Es una cinta que se cuece a fuego lento, sin prisa alguna. Va paso a paso.

 Scorsese se recrea en cada plano dándole una belleza especial. La fotografía, a cargo de Rodrigo Pireto, es espectacular. Todas las imágenes del  filme son especialmente bellas, y todo está cuidado hasta el extremo.

El guión, firmado por Jay Cocks y Martin Scorsese y que está basado en la novela de Shusaku Endo, es bastante bueno. Tiene un ritmo pausado pero adecuado, y no se hace pesado en ningún momento. Plantea algunas cuestiones y dilemas religiosos que dan bastante que pensar, y trata el tema de la deidad de una forma muy natural y adecuada.

En cuanto a las interpretaciones, todo el peso de la película recae sobre Andrew Garfield, Adam Driver y Liam Neeson. Antes de nada, decir que todos los actores asiáticos que aparecen en la película en diferentes momentos llevan a cabo magnificas interpretaciones, repletas de fuerza y sentimiento. Dicho esto, Garfield, Driver y Neeson resaltan sobre el resto. Driver, que paso a paso se va abriendo un hueco en Hollywood, ha realizado una interpretación muy seria y convincente. Se ha entregado al papel hasta el extremo, lo que puede apreciarse en su deteriorado y famélico aspecto físico. Otro buen trabajo de Adam Driver. Andrew Garfield es el protagonista indiscutible de la cinta. El peso de “Silencio” cae completamente sobre él. A nivel personal, no soy precisamente devoto de Garfield, pero he de reconocer que esta es sin duda la mejor interpretación de su corta carrera hasta ahora. Ha creado un personaje que evoluciona al mismo ritmo de la película, poco a poco. Su entrega física para el papel también ha sido total, y al igual que Driver ha perdido bastante peso. Un gran trabajo realizado por el joven actor, que también se está haciendo su hueco en el duro y competitivo mundo de Hollywood. Sin embargo, es Liam Neeson el que sobresale sobre el resto. Su rol en la película se limita al de actor secundario, pero vaya actor secundario… No aparece mucho en el filme si tenemos en cuenta la duración de este, pero cuando lo hace, no hay color. La madurez y fuerza de Neeson superan a las ganas y entusiasmo de Garfield y Driver, más jóvenes y con menos experiencia, obviamente. Neeson consigue transmitir multitud de emociones y sentimientos sin apenas despeinarse. Magnífico trabajo del ya veterano actor.

Y qué decir del gran Martin Scorsese... pues que lo ha vuelto a hacer. Ha vuelto a realizar una película de gran calidad, cine del bueno. “Silencio”, que tantos quebraderos de cabeza le ha dado, ha resultado ser finalmente una buena película, pese a todos los contratiempos. No está al nivel de las obras maestras del director, como “Taxi Driver”, “Goodfellas” o “Infiltrados”, pero aún así está entre las diez mejores películas de su filmografía. Scorsese ha cuidado cada plano y cada momento, sabedor de que llevaba décadas esperando hacer realidad este proyecto, y seguro ha disfrutado haciéndolo. Pero más allá de todos los apartados técnicos que podríamos entrar a valorar del trabajo de Scorsese en “Silencio”, lo que más valoro y aprecio es su valor para, a su edad, haber salido completamente de su registro habitual para realizar la que probablemente es su película más personal. Chapó por ello.

Me ha resultado bastante complicado realizar la crítica de esta película. Es difícil hablar sobre una película la cual sabes que te ha gustado e impresionado, pero que al mismo tiempo sabes que no recomendarías. Es como hablar por hablar, sin un motivo aparente. No intento convencerles de que vean “Silencio”, porque no es una película que se vea fácilmente. Hay que saborearla y verla en el momento oportuno. En general no la recomendaría, no porque no me haya gustado, todo lo contrario, sino porque creo que no es un filme que atrae a simple vista. Creo que “Silencio” hay que verla si quieres tener una experiencia religiosa cinematográfica potente y que haga reflexionar, que haga pensar. Si vas a ver “Silencio” por el simple hecho de ver una película, o simplemente por ver la nueva película de Scorsese, no lo hagas, porque probablemente te decepcione. Ahora bien, si vas a verla porque quieres gastar casi tres horas de tu vida disfrutando de una experiencia religiosa de fe y de una película de gran belleza, hazlo, porque entonces podrás disfrutarla.

Es curioso porque “Silencio” va camino de ser una de esas películas que la crítica alaba y el público rechaza. Yo, como público, la alabo, y ahora, como crítico, también.

Concluyendo, otra buena película de Martin Scorsese, repleta de bellísimas imágenes y conmovedores y duros momentos, que impresiona y no deja indiferente, para bien o para mal.

Puntuación: 8’1/10




 Aquí les dejo el trailer en versión original subtitulado en español.


martes, 10 de enero de 2017

La llegada - Denis Villeneuve (2016)

Ya estoy de vuelta, perdón por la espera… Os traigo una nueva crítica de la última película que he visto: “La llegada”. Fui a verla al cine, que la verdad es que ya tocaba. Ahora que ha empezado la temporada de premios empezaré a ir más (si mi bolsillo me lo permite).

El argumento es el siguiente: doce naves extraterrestres llegan a la Tierra y los altos mandos militares de Estados Unidos piden ayuda a una experta lingüista para intentar averiguar si los alienígenas vienen en son de paz o son una amenaza para la humanidad. Poco a poco, ella intentará aprender a comunicarse con los extraños invasores, que poseen un lenguaje propio, para tratar de dar con la verdadera y misteriosa razón de la visita extraterrestre.

Personalmente, el género de ciencia ficción no me atrae en especial, de hecho tiendo a evitarlo, no es de mi agrado. Me parece bastante cargado y excesivamente poco creíble, en parte también por los innumerables efectos especiales que se suelen utilizar en las películas de este género, que dan un aire de espectacularidad sin sentido que hace que conforme pasan los minutos de metraje todo interese menos y la trama se relegue a un segundo plano, dándose más importancia a las explosiones y toda la parafernalia que las acompaña. Al menos eso es lo que me pasa a mi. Sin embargo, las dos películas que más me han impresionado en los últimos años son de ciencia ficción. Ironías de la vida… una de ellas es la que me trae hoy aquí, “La llegada”. Empecemos...

Vamos poco a poco. Primero, las interpretaciones:  Amy Adams, Jeremy Renner y Forest Whitaker, tres pesos pesados de Hollywood, empezamos fuerte. Forest Whitaker y Jeremy Renner quedan relegados a papeles secundarios, cayendo el peso de la cinta al completo en Adams. Ambos acompañan a la perfección a la actriz principal, sobre todo Renner, cuyo personaje tiene más importancia en el filme que el de Whitaker. Amy Adams, por su parte, está espectacular. La actriz ha protagonizado este año “La llegada” y “Animales Nocturnos”, ambas con serias aspiraciones en la temporada de premios, y en las cuales ha destacado sobremanera. Su actuación en “La llegada” no es una interpretación al uso, con amplios diálogos a lo largo de la película y demás. No, en esta película, el reto de Amy Adams era transmitir todo a través de su mirada y su expresión facial. Y vaya si lo ha conseguido. La actriz ha conseguido una interpretación sincera, potente y de calidad innegable. Ya ha conseguido nominación  a los Globos de Oro y a los BAFTA, y probablemente consiga para el resto de premios mayores de la temporada de premios.

Respecto a la banda sonora, la firma Jóhan Jóhannsson, colaborador habitual de Villeneuve. De nuevo consigue una atmósfera absorbente que hace que te metas en la película desde el principio. De especial belleza son el tema utilizado al principio y al final de la cinta.

En relación al guión, este es increíble. Lo firma Eric Heisserer, basado en el relato original de Ted Chiang. El guión de “La llegada” es inteligente, estimulante, sobrecogedor, emocionante, y original como pocos. Transmite multitud de sensaciones y atrapa más y más cuanto más avanza la película. Bajo mi punto de vista, su mayor mérito es conseguir desarrollar la cinta sin que se haga lenta, pero sobre todo, hacerlo sin que nada parezca irreal. Todo tiene un porqué en esta película.

La fotografía también es destacable. El trabajo en este apartado lo realiza Bradford Young, que consigue hacernos enmudecer con imágenes de gran belleza, al mismo tiempo que nos hace sentir pequeños ante la inmensidad de los interesantes extraterrestres que nos visitan en la película.

Llegamos ya al trabajo de dirección: Denis Villeneuve, nombre propio del Hollywood actual. Sus tres últimas películas (“Prisioneros, “Sicario” y “La llegada”) han sido éxitos rotundos, tanto para crítica como para público. Es uno de los directores más cotizados en Hollywood actualmente, y su trabajo en la cinta que hoy discutimos aquí es espectacular. Todas sus películas tienen una atmósfera especial. Visualmente son espectaculares, tienen un ritmo adecuado, que atrapa; la música acompaña a la perfección, la fotografía es increíble… todos ellos son puntos en común en su obra cinematográfica, los cuales contribuyen a su éxito. Tenemos director para rato.

En resumen, una película genial. Original hasta el extremo, absorbente, e interesante. De ritmo idóneo e interpretaciones de calidad. Gran nivel. Un cómputo general increíble. Muy recomendable, les guste el género de ciencia ficción o no. “La llegada” es, sin duda, una de las películas del año.

Puntuación: 8’6/10


Aquí les dejo el trailer en versión original subtitulado en español.





lunes, 2 de enero de 2017

Comanchería - David McKenzie (2016)

Siento una especial atracción por el estado de Texas y su entorno. Su acento, su vasta y desoladora naturaleza, los sombreros de cowboy… supongo que en parte por eso “Hell or high wáter”, “Comanchería” en español, me atrajo desde el primer momento. También soy un declarado seguidor de las películas de robos a bancos. Y esta película une todo esto: robos a bancos en el oeste de Texas, buena combinación.

El argumento es el siguiente: un padre divorciado y su hermano, recién salido de la cárcel, recurren a un desesperado plan para poder salvar la granja familiar, en el oeste de Texas.

Esta película, no muy larga, consigue meterte en la historia desde el primer momento. Empieza de forma meteórica, con acción desde el primer momento, sin medias tintas. Punto a favor para enganchar al espectador desde el primer momento sin introducciones innecesarias.

El guión de Taylor Sheridan es muy, muy bueno. Inteligente, con tintes de sórdido humor negro, de ritmo más que adecuado y momentos memorables. Muy buen trabajo del guionista, que firma un guión que dará que hablar en la temporada de premios. Ya ha sido nominado en los Globos de Oro a Mejor Guión Original.

Las interpretaciones son de gran nivel. Los tres actores principales están espléndidos. Chris Pine lleva a cabo un trabajo más que serio en esta película, demostrando que puede hacer películas más allá del archiexplotado mundo de la acción de Hollywood. Ben Foster, por su parte, se echa la película a la espalda en contadas ocasiones con una interpretación demoledora, llena de fuerza. El de Boston ha realizado un grandísimo trabajo en “Comanchería”. Ambos actores, de 36 años, han demostrado que están en plena forma y que sus nombres se deben tener en cuenta de aquí en adelante más aún si cabe. Por último, Jeff Bridges vuelve a sorprendernos con una magnífica interpretación a sus 67 años. Ya ha sido nominado a los Globos de Oro como Actor Secundario por este papel, ¿dará la campanada? Desde luego, cada vez que aparece en pantalla, la película mejora. Grande Jeff Bridges.

En cuanto a la dirección de la cinta, David McKenzie lleva a cabo un trabajo serio y sin dudas, avanzando a paso firme. No le tiembla el pulso a la hora de dirigir este neowestern con tintes de thriller. Aprovecha el vasto y desértico paisaje del oeste de Texas para conseguir una simbiosis inmejorable entre los personajes, el desarrollo del filme y el entorno. Magnífico trabajo. El director,  a sus 50 años, ha dado un golpe sobre la mesa, dejando claro que sigue en buena forma, y que hay director para rato.

Las canciones utilizadas a lo largo de la película también son muy acertadas, dando un aire tejano muy marcado que encaja a la perfección.

“Comanchería” acumula tres nominaciones en los Globos de Oro, a falta de conocerse las nominaciones para el resto de premios importantes. Un gran triunfo para una película que, obviando su gran calidad, no deja de ser ‘indie’.

En resumidas cuentas, “Hell or high water” es una película completamente recomendable para cualquier persona, independientemente de gustos y preferencias. Es un filme que pega fuerte. Hay que verla para dejarse sorprender. Muy buena película.


Puntuación: 8’1/10


Aquí les dejo el trailer en versión original subtitulado en español.


sábado, 1 de octubre de 2016

Perdida - David Fincher (2014)

Ver una película de David Fincher es siempre una auténtica experiencia cinematográfica. Es uno de los mejores directores en activo en Hollywood y rara vez comete un error tanto a la hora de escoger sus proyectos como a la hora de llevarlos a cabo. “Perdida”, la adaptación de la novela best-seller de Gillian Flynn, no ha sido una excepción.

La trama es la siguiente: El día de su quinto aniversario de boda, Nick Dunne informa que su esposa Amy ha desaparecido bajo extrañas circunstancias. Pero pronto la presión policial y mediática hace que el retrato de felicidad doméstica que ofrece Nick empiece a tambalearse. Además, su extraña conducta lo convierte en sospechoso, y todo el mundo comienza a preguntarse si Nick mató a su esposa…

Este thriller no se desarrolla precisamente de forma rápida, más bien diría que todo lo contrario, pero su principal logro es que a pesar de su ritmo, no permite que apartes los ojos de la pantalla durante sus casi dos horas y media de metraje. Esto, como no, es mérito del genio David Fincher. Mientras visualizas este filme, te das cuenta de que lo que estás viendo no es una obra maestra, pero simplemente no puedes dejar de verla. Obviamente “Perdida” no está al nivel del que para mí es el mejor thriller que he visto, y que es obra de este gran director: “Seven”; ni probablemente tampoco esté al nivel del clásico instantáneo “El club de la lucha”, también de Fincher, pero no se confundan, “Perdida” casi está a su nivel. Simplemente es muy difícil llegar al nivel de estas dos obras maestras… No obstante, David Fincher se acerca, se acerca mucho. Su trabajo en la dirección es excelente. Sabe cómo contar las cosas, sabe cómo transmitir emociones y sabe cómo engañar al espectador. Básicamente, sabe cómo hacer una buena película. Uno de los grandes.

Respecto al guión, me parece que es de gran calidad. Tiene los giros típicos de este género, pero a un nivel o dos por encima de la media en cuanto a calidad. Sin duda, una gran adaptación a la gran pantalla de la novela de Gillian Flynn.

En cuanto a las interpretaciones, bueno… podría decir que esta película es una caja de sorpresas. Me centraré solo en los dos actores principales: Rosamund Pike y Ben Affleck. Rosamund Pike se ha consolidado a nivel internacional con su interpretación en esta película, la cual le ha permitido acumular diversas nominaciones durante la temporada de premios, incluyendo a los Oscar. Sin embargo, para mí, la mayor sorpresa en esta película la da el archiodiado Ben Affleck. Nunca he entendido realmente porqué la gente odia tanto a este actor. Quizás no sea un buen actor para muchos, pero, al menos para mí, en “Perdida” se sale. Ofrece una interpretación de gran calidad. También hacen un buen trabajo en la cinta las poco conocidas Emily Ratajkowski y Carrie Coon.

También hay un excelente trabajo de montaje, como de costumbre en las películas de Fincher.

“Perdida” es una película excelente, que hace que sientas diversas emociones  y que quieras que pasen ciertas cosas por el modo en el que se desarrolla la trama, pero consigue que a pesar de que no pasen esas cosas, llegues a entender porqué pasa lo que pasa. Porque al fin y al cabo, a pesar de toda la parafernalia de la desaparición y de todas las cosas que suceden en este tipo de filmes, ésta es una película muy humana en cuanto a las emociones de los personajes. Bajo mi punto de vista, este es otro de los grandes logros de la película.

Concluyendo, otro peliculón de David Fincher que vuelve a deleitarnos con lo mejor de su capacidad como director. Recomendable 100%.


Puntuación: 8,2/10


Aquí les dejo el trailer en versión original subtitulado en español.


domingo, 18 de septiembre de 2016

Sing Street - John Carney (2016)

Cuando una película te llega y te inspira, se nota. Eso fue exactamente lo que me pasó a mí con “Sing Street”. A los pocos minutos de haber empezado a verla, ya tenía la certeza de que este filme me iba a conquistar por completo. Y he de decir que estaba en lo cierto.

Este es el argumento: Cosmo, un niño de 14 años que crece en el Dublín de los 80, tiene la intención de huir de su complicado hogar. Compone canciones con su banda, como una forma de lucha, y publica controvertidos videos musicales.

En general soy bastante reacio a los musicales y a las comedias, no se por qué, pero con esta película me lancé a la aventura y me tragué un musical genial con tintes de inteligente comedia. ¿Resultado? Una experiencia cinematográfica inspiradora difícil de olvidar.

En esta cinta todo está hecho de forma humilde y con un cariño especial, que se nota en el trato a los personajes al contar la historia. No esperen encontrar famosos actores y actrices en “Sing Street”, no los van a encontrar. Lo que sí van a encontrar, sin embargo, es a un grupo de jóvenes actores y actrices dispuestos a comerse el mundo y que ofrecen un conjunto de interpretaciones que funcionan a la perfección como conjunto y que consiguen transmitir muchas más emociones que muchos profesionales de la interpretación en muchas películas. Creo que no es necesario destacar el papel de ninguno de estos entusiastas actores, porque como he dicho, prefiero quedarme con su química como grupo; pero si tuviera que quedarme con alguno, sin duda sería Jack Reynor. El estadounidense (de tan solo 23 años), ha sido quien más me ha transmitido a lo largo del filme, y eso que su papel es secundario. Un buen actor, no hay duda al respecto.

El trabajo de John Carney es digno de admiración. Ha escrito el guión, ha dirigido la película y la ha producido, y todo de forma excelente. Su amor por la música y lo que esta transmite se deja ver de forma más que clara en esta historia sobre adolescentes. Un gran trabajo.

Dado que estamos ante un musical, no podía olvidarme de hablar sobre las canciones presentes en este. Bien, simplemente geniales. Más allá del uso de canciones existentes de los años en los que se desarrolla la historia (entre ellas el clásico “Maneater”, de Daryl Hall y John Oates), muy bien incorporadas a la película, las que verdaderamente merecen llevarse todos los halagos son las canciones realizadas para este musical y que están perfectamente interpretadas por el reparto de la cinta. Un conjunto de canciones de gran calidad que te obligarán a moverte un poco y que harán que se te escape alguna sonrisa de forma inevitable.

No quiero centrarme más en aspectos técnicos o puramente cinematográficos. Llevaba tiempo esperando ver una película que me inspirara tanto como “Sing Street”, y la sensación con la que me quedé después de verla fue como la de estar un tu propia nube, en otro mundo. El mundo de optimismo, felicidad, sueños por cumplir y feliz melancolía al que te lleva esta genial película.

De forma resumida, un filme poco común, original, lleno de energía y buenas vibraciones que te alegrará el día, como poco. Absolutamente recomendable, más allá de gustos y preferencias.


Puntuación: 8’2/10


Aquí les dejo el trailer en versión original subtitulado en español.


jueves, 25 de agosto de 2016

Born to be blue - Robert Budreau (2015)

Probablemente el jazz sea el género musical que mejor encaja con el cine, y si en una misma película unes la vida de uno de los mejores trompetistas que haya dado este género musical junto con su música, y lo haces de forma notable cinematográficamente hablando, el resultado debe ser algo muy parecido a “Born to be blue”, el biopic de Chet Baker.

Esta es la etapa de la vida de Baker que se narra: los años 60. La película se centra en la época en la que Baker comienza a rodar una película sobre sí mismo y se enamora de su compañera de rodaje, la enigmática Jane. El conflictivo pasado del músico vuelve para atormentarlo, hasta el punto de que parece que nunca volverá a ser capaz de componer, pero Jane lo reta a volver a la escena musical en contra de todos los pronósticos.

Este no es un biopic al uso. No se limita a los típico cánones de este tipo de filmes, sino que narra esta etapa de la vida de Baker de forma distinta. Mientras que la mayoría de biopics son un ir y venir de subidas y bajadas en cuanto a la vida del sujeto en cuestión, en “Born to be blue” se podría decir que todo se cuenta de forma optimista. Incluso el final, que puede dar lugar a cierta tristeza, te deja con una sensación de alegría y satisfacción difícil de explicar.

Me parece admirable la forma en que Robert Budreau ha conseguido retratar el jazz en esta cinta. Tanto en las escenas en blanco y negro como en las de color, consigue transmitir ese algo que solo este tipo de música es capaz de hacer sentir. El trabajo de dirección de Budreau no está nada mal. Ha sido capaz de contar esta etapa de la vida de Chet Baker de forma muy notable.

Respecto a las interpretaciones, todos los méritos se los llevan Carmen Ejogo y Ethan Hawke. La química entre ambos es más que visible, y se hace notar a lo largo de la película. Ella nos brinda una interpretación más que sincera, como la mujer de la que el bueno de Chet se enamora. Él, por su parte, nos ofrece la mejor interpretación de su carrera, sin duda. Hawke se ha superado en esta película. Su entrega al personaje es total. Incluso canta bien. Un gran trabajo por su parte. Una interpretación para el recuerdo.

Sin duda la figura de Chet Baker es más que interesante, y en “Born to be blue” se profundiza bastante en su personalidad y en su genialidad como trompetista y cantante.

Antes de finalizar, decir que la escena final de la película me parece de una belleza estética casi inmejorable, y que después de que acabase el filme, estuve 20 minutos de reloj simplemente repitiendo esa escena. Increíble.

En resumen, un biopic diferente, de calidad innegable y que, a pesar de no contar una historia precisamente atractiva en cuanto a entretenimiento, llega a enganchar. Si te gusta Chet Baker, el jazz, o la música en general, debes verla. Puede que si lo que buscas es una película que simplemente te entretenga, esta no sea la mejor opción, pero aún así, deberías darle una oportunidad, al menos yo lo haría. Una pena que “Born to be blue” sea una película poco conocida.

Puntuación: 7’6/10


Aquí les dejo el trailer en versión original subtitulado en español.



jueves, 18 de agosto de 2016

Centurión - Neil Marshall (2010)

Las películas de entretenimiento tienen algo bueno, y es que entretienen. Pero tienen algo malo, y es que son sólo eso, entretenimiento. Cuando terminas de ver un filme de este tipo, no se queda contigo después. Simplemente eres consciente de que te has entretenido durante un rato con una película, pero ya está. Nada  más. Eso es lo que le pasa a “Centurión”, como película para entretener funciona; como algo más, no.

Esta es la trama: Bretaña, año 117 de nuestra era. Tras un ataque de la guerrilla local que ha diezmado la legión, un grupo de soldados romanos lucha por salvar la vida. Pertenecen a la IX legión, la más legendaria por su valor. La misión de los supervivientes, liderados por Quintus Dias, es resistir hasta llegar a la frontera, antes de que las hordas de la feroz y vengativa Etain acabe con todos ellos.

Otra película histórica. “Centurión” funciona porque prácticamente no da un respiro al espectador. La cinta es una persecución constante. No hay momento para descansar o para relajarse. Ese es el principal mérito del filme. Sin embargo, su principal problema es que es bastante predecible.

Respecto a las interpretaciones, ninguna es de una calidad sobresaliente, pero no están mal. Destacan Michael Fassbender como Quintus Dias. Este actor es un seguro de vida, siempre lo hace bien. Un buen papel, pero aún así está lejos de su mejor nivel. Olga Kurylenko tampoco lo hace mal como la letal Etain. Su principal mérito es que su personaje es mudo, y consigue transmitir con la mirada diversas emociones. El elenco de secundarios tampoco está mal. Acompañan bien a los dos principales. Un reparto pasable en general, a pesar de que ninguna de las interpretaciones sea especialmente buena.

La dirección de Neil Marshall no es nada del otro mundo, pero se defiende bien. La sensación de agobio de los pobres romanos ante la constante persecución de los pictos está bien conseguida. Quizás demasiada sangre para mi gusto, en ocasiones incluso poco creíble. Pero en general, trabajo de dirección pasable.

Poco más que decir sobre “Centurión”. Si hubiera que destacar algo más sería la ambientación y el vestuario, pero tampoco en exceso. Lo dicho, como entretenimiento está bien, pero sólo como eso.

Resumiendo, película histórica y de acción que se limita a contar su historia y poco más. No entra en dobles tramas ni nada por el estilo. Buena hora y media de entretenimiento, pero al fin y al cabo es eso, hora y media, ya está. Si te aburres y quieres un poco de acción y gore en una dosis suave, probablemente te servirá. Si te gustan las películas históricas también puede estar bien. Pero si buscas una película que te haga pensar o que se quede contigo después de verla, busca otra cosa.


Puntuación: 6’7/10


Aquí les dejo el trailer en versión original subtitulado en español.


sábado, 30 de julio de 2016

Ex_Machina - Alex Garland (2015)

Tenía bastantes ganas de ver esta película desde hace un tiempo. El tráiler me pareció bastante interesante, y cuenta con la presencia de Oscar Isaac, que es uno de mis actores preferidos. En general me quedé con una sensación bastante positiva tras verla.

El argumento es el siguiente:  Nathan es un programador multimillonario con fama de reclusivo que selecciona a Caleb, un joven empleado de su empresa, para que pase una semana con él en un lugar remoto en las montañas, con el objetivo de que participe en un test en el que está involucrada su última creación: Ava, un robot-mujer en el que inteligencia artificial lo es todo.

Este filme se cuece a fuego lento, con pocos diálogos. Sin embargo, los diálogos existentes se aprovechan a la perfección, y plantean varias cuestiones a lo largo de la cinta que invitan a la reflexión. Un buen trabajo de guión.

Lo que más me ha impresionado de “Ex_Machina” es su fotografía. Hay multitud de planos y todos ellos están más que conseguidos. La metamorfosis entre la modernidad de la casa en la que se desarrolla casi toda la película y el entorno natural del exterior funciona a la perfección.

Alex Garland se muestra bastante seguro en su labor de director en su primer largometraje. Lleva a cabo un buen filme en el que se mezclan elementos del cine clásico y el moderno con gran precisión. Su buen trabajo de dirección consigue transmitir un ambiente claustrofóbico a lo largo de la cinta bastante conseguido. Alex Garland, un nombre a tener en cuenta en el futuro.

Respecto al apartado interpretativo, solo hay cuatro personajes, y uno de ellos apenas entra en acción salvo al final. Por ello me centraré en los otros tres. Domhall Gleeson ofrece un papel bastante convincente como protagonista. Buen trabajo del joven actor irlandés. Alicia Vikander se consolidó como actriz con esta película. Su interpretación le valió una nominación a los Globos de Oro como Mejor Actriz Secundaria. Verdaderamente su interpretación es la mejor del filme, sin duda. Por último, Oscar Isaac también lleva a cabo una interpretación de gran calidad. Sin duda, el actor nacido en Guatemala está en forma (no me refiero a su estado físico precisamente) y tiene mucho que ofrecer al mundo de la interpretación en los próximos años, seguro.

Ahora bien, una vez resaltado todo lo positivo de la película, he de decir que el final me dejó un poco frío. Me parece que la trama se desarrolla de forma excelente hasta los momentos finales, en los que creo que a Garland se le va un poco de las manos, pero bueno, esta es mi opinión personal. Aún así, el final no está mal.

Resumiendo, gran ópera prima de Alex Garland. Una buena película de ciencia ficción que da que pensar y además entretiene. Si les gusta el género, les gustará, y sino, probablemente también.


Puntuación: 7’8/10


Aquí les dejo el trailer en versión original subtitulado en español.


jueves, 28 de julio de 2016

Cisne Negro - Darren Aronofsky (2010)

Mi primera incursión en el cine de Darren Aronofsky ha sido de la mano de la impactante “Cisne Negro”. La historia se desarrolla a modo de thriller psicológico, y este género es uno de mis preferidos.

La película trata sobre la obsesión de Nina -una brillante bailarina que forma parte de una compañía de ballet de Nueva York- por la danza. La presión de su protectora y controladora madre, la rivalidad con su compañera Lily, y las exigencias del director de la compañía irán creciendo a medida que se acerca el día del estreno. Esta tensión provoca en Nina un agotamiento nervioso y una confusión mental que la incapacitan para distinguir entre realidad y ficción.

El guión es de esos que pende de un hilo entre lo genial y lo absurdo, decantándose por lo genial. Consigue narrar de forma brillante y absorbente la transformación de Nina, incluyendo elementos del cine de terror clásico, a base de apariciones y música intrigante.

Si el guión pende de un hilo entre lo genial y lo absurdo, aunque se decanta por lo genial, el trío principal tiene mucho que ver en esto. A nivel interpretativo, los tres destacan, ninguno queda por debajo de los demás, lo cual es de agradecer teniendo en cuenta que esta es una película de muy pocos personajes. El francés Vincent Cassel encarna al estricto director de la compañía de ballet de forma más que convincente. Mila Kunis da vida a Lily, la competitiva compañera de Nina, y también ofrece una interpretación más que notable. Sin embargo, Natalie Portman sobresale por encima del resto del reparto. Su interpretación te deja boquiabierto. Hace de todo. Ríe, llora, disfruta, sufre, baila… y todo lo hace bien. Un trabajo sobresaliente que le valió el Oscar, el BAFTA y el Globo de Oro a Mejor Actriz. Barbara Hershey también ofrece un gran trabajo como la madre de Nina. Su personaje es quizás incluso más terrorífico que las apariciones.

Respecto al trabajo de dirección de Aronofsky, también es sobresaliente. Consigue transmitir multitud de emociones, y cuando crees que todo va como deseas, ocurre algo inesperado, a base de los anteriormente citados elementos de terror clásico, que encajan a la perfección en la cinta, y que hacen que el espectador no se encuentre cómodo en ningún momento viendo la cinta. Para mí ese es el mayor mérito de esta película: el espectador siente la angustia e incluso la presión que la protagonista sufre a lo largo del desarrollo del filme.

Buen trabajo de montaje también, y la banda sonora, aunque un tanto simple en cuanto a variedad, está perfectamente integrada en la película. Al igual que los fragmentos de “El lago de los cisnes” utilizados a lo largo de la cinta

En resumen, un gran thriller psicológico que te mete completamente en la trama y que no te deja escapar hasta el final. Bastante recomendable.


Puntuación: 8/10


Aquí les dejo el trailer en versión original subtitulado en español.




martes, 26 de julio de 2016

Rush - Ron Howard (2013)

Esta película es una de las cintas que más me han impresionado últimamente. No soy para nada un aficionado de las películas sobre coches. De ningún tipo. Pero me recomendaron ver este filme y accedí a hacerlo, aunque he de reconocer que no con todas las ganas del mundo. Quizás por eso me impresionó tanto.

Esta película narra la rivalidad entre dos grandes pilotos de Formula 1. El británico James Hunt y el austríaco Niki Lauda. Esta rivalidad llegó a su punto más alto en 1976, año en el que Lauda sufrió un accidente que casi le costó la vida.

Bajo mi punto de vista, la historia está contada de forma excelente y  un tanto original. El desarrollo de la misma va alternando episodios de la vida de cada uno de los pilotos, con un ritmo trepidante, sobre todo al principio. La verdad es que engancha.

El guión me parece bastante bueno. Consigue reflejar perfectamente el amor, o incluso obsesión, que estos dos personajes tenían por el deporte que practicaban, y el odio y respeto mutuo que se prestaban. El filme nos presenta dos filosofías de vida totalmente diferentes, cada una encarnada por uno de los pilotos. Una vida de diversión, excesos y disfrute, promovida por Hunt; y una vida de control, profesionalidad y trabajo, promovida por Lauda.

Las interpretaciones son de muy buen nivel. Chris Hemsworth encarna al británico James Hunt de forma brillante. Consigue que adoremos y odiemos a su personaje al mismo tiempo, a pesar de su carácter. Y si la interpretación de Hemsworth es brillante, la de Daniel Brühl está un punto por encima en mi opinión. Claramente su personaje es el poco atractivo, el que nadie querría ser en la vida real pudiendo escoger a James Hunt, pero a pesar de ello, no me parece descabellado decir que al final de la película todos escogeríamos a Niki Lauda, y no a Hunt.

La dirección de Ron Howard también es buena. Cuenta esta historia de forma muy aceptable, con momentos intimistas y momentos de espectacularidad, y con un ritmo frenético, que para mí es el principal acierto de la cinta. Un buen trabajo.

En resumidas cuentas, una buena película sobre coches, y una muy buena película de personajes. No se queda en la fachada del artificioso mundo de la Formula 1, sino que se adentra en el interior de cada protagonista, introduciendo una más que atractiva carga psicológica a la película. Si te gustan las películas de coches, es de visionado imprescindible. Sino, pues casi que también.


Puntuación: 8/10


Aquí les dejo el trailer en versión original subtitulado en español.




martes, 21 de junio de 2016

Las ventajas de ser un marginado - Stepehen Chbosky (2012)

¡Como se nota que ya está aquí el verano y que por fin tengo tiempo para ver películas! Esta vez ha sido “Las Ventajas de Ser un Marginado”, ópera prima del escritor y en este filme también guionista y director, Stephen Chbosky. La película se basa en la novela homónima del propio escritor, el cual adaptó su libro al cine, con un resultado bastante óptimo.

Éste es el argumento: Charlie, un joven tímido y marginado, escribe una serie de cartas a una persona sin identificar en las que aborda asuntos como la amistad, los conflictos familiares, las primeras citas, el sexo o las drogas. El protagonista tendrá que afrontar dificultades, al tiempo que lucha por encontrar un grupo de personas con las que pueda encajar y sentirse a gusto.

Esta película para adolescentes pega fuerte. Quizá llegue un poco tarde para algunos nostálgicos de su adolescencia, y quizá muchos adolescentes de hoy en día no la lleguen a disfrutar del todo, quizá sea una película para eso, para marginados. Allá vamos.

De primeras decir que se nota bastante que esta es la primera película de Stephen Chbosky. Están los típicos fallos de principiante, pero la fuerza de la historia hace que esos pequeños errores se queden en meras anécdotas. La dirección de Chbosky está a la altura de la película, sobre todo porque al ser el escritor del libro en el que se basa la película (el cual me gustaría leer), ha sabido adaptar bastante bien los personajes a la gran pantalla, profundizando brillantemente en los personajes principales. El guión, también a cargo de él, es de buena calidad. Bastante buena adaptación.

En el nivel interpretativo, el trío protagonista se lleva buena parte de los méritos de la cinta. Logan Lerman construye el personaje de Charlie de forma magistral. Nos presenta a un adolescente tímido y totalmente solitario y marginado, atormentado por dentro por sucesos del pasado. Su interpretación es sincera, y sobre todo al final, consigue transmitir multitud de emociones en pocos minutos. Emma Watson lo hace bastante bien también. Con esta película demostró que había Emma más allá de Hermione Granger y de la saga Harry Potter. Su personaje, llamado Sam, también está muy bien definido. Y por último, Ezra Miller. El amigo homosexual de Charlie roba el protagonismo a Logan Lerman y Emma Watson cada vez que aparece en pantalla. Bajo mi punto de vista, el mejor de los tres, aunque el trío está a un nivel espectacular en todo el filme.

Por último, cabe mencionar la música de la película. ¡Qué gozada!. Cuesta encontrar películas con canciones de tanta calidad. “The Smiths”, baladas románticas de rock, David Bowie… El uso de la mítica canción “Heroes” de Bowie es el ideal. Imposible olvidar el momento final en el que suena esta canción. Por cierto, escuchad la canción “Asleep” de “The Smiths” que tanto se menciona en la cinta, merece la pena.

En resumen, una película genial, de las que te deja un pellizco en el corazón cuando termina. Me transmitió sentimientos que hacía tiempo no me transmitía una película y, sin duda, la recomiendo, a cualquier persona lo suficientemente madura como para no quedarse en el título del filme y en que es una película pensada para adolescentes. Si os decidís a adentraros en el genial viaje que “Las Ventajas de Ser un Marginado” ofrece, no lo dudéis, vais a disfrutar.


Puntuación: 7’8/10


Aquí les dejo el trailer en versión original.


jueves, 16 de junio de 2016

Nuestros Amantes - Miguel Ángel Lamata (2016)

Antes de comenzar con la crítica de esta película, me gustaría pedir disculpas por el amplio desfase temporal que ha habido en el blog en los últimos meses entre publicación y publicación, pero los exámenes y otras circunstancias personales me han impedido colgar críticas de forma más continuada. La verdad es que tampoco he visto muchas películas en este tiempo, no he tenido nada de tiempo…

Comenzamos… Siempre resulta satisfactorio ir al cine, y más cuando vas bien acompañado. Yo no iba desde enero, cuando fui a ver la última entrega de la saga “Star Wars”, y no habría podido imaginar que la próxima vez que iría sería para ver una comedia (¿romántica?) española. No es que tenga nada contra el cine español, al contrario, pero digamos que la comedia no es precisamente mi género favorito. No obstante, “Nuestros Amantes” me sorprendió gratamente. Es cierto que no es una película de gran calidad, pero consiguió que me introdujese en la trama desde el principio.

El argumento es el siguiente: Carlos es un escritor de guiones de cine de unos 40 años, frustrado profesionalmente. Irene tiene 30 años y no tiene claro qué hacer con su vida. Sobre ellos aún planean las sombras de sus antiguas relaciones: María y Jorge. Cuando Irene se encuentra con Carlos en una librería-café, sin conocerle de nada, se acerca a él y le propone un juego: convertir sus vidas anodinas en una aventura. Irene es una soñadora nata. Carlos ha olvidado cómo soñar. Juntos harán lo imposible por lograr ser felices. Sólo hay una norma: no enamorarse.

Vale, sí, típica película de chico conoce chica, se enamoran y viven felices y comen perdices. Pero no es tan simple. Es cierto que la película cae en los convencionalismos del género en numerosas ocasiones, pero introduce un elemento diferenciador que hace que este filme sea en cierto modo común pero diferente: diálogos inteligentes y dinámicos con diversas referencias culturales y literarias que dan un toque de inteligencia e intelectualismo a la cinta, y que aportan incluso cohesión a la historia. Truman Capote y Charles Bukowski son nombrados constantemente, ya que Carlos está escribiendo una obra de teatro sobre ambos autores. Mención aparte merece la escena en la que Carlos se “mete” en la piel de Bukowski para intentar expresar lo que siente a Irene.

En el apartado interpretativo, Michelle Jenner me enganchó desde el principio. Aporta algo especial con su interpretación, y su sonrisa puede llegar a hipnotizar. Eduardo Noriega no me convencía en un principio, pero conforme avanzaba la película, me fue gustando más y más, hasta que consiguió convencerme. Amaia Salamanca, limitada por su papel secundario, tampoco lo hace mal. Fele Martínez me ha sorprendido sobremanera. Es, sin lugar a dudas, el revulsivo de la película. Te enganchas a la locura de su personaje.

La fotografía también me ha gustado. Los planos de los parques de Teruel me sorprendieron para bien, y en general este apartado del filme no está mal. Planos aceptables en general. El guión, a pesar de caer en los convencionalismos del género, tampoco está mal, ya que como he dicho antes, las referencias literarias y culturales consiguen salvarlo y hacer que salga más o menos airoso, a pesar de que en ocasiones pueda pecar un poco de pretencioso.

En resumen, película aceptable de Miguel Ángel Lamata, muy recomendable para los aficionados del género y para aquellos que, sin ser tan aficionados a este, estén dispuestos a darle una oportunidad y disfrutar de algo un tanto diferente en el desarrollo, pero igual en el desenlace.

Puntuación: 6,3/10


Aquí les dejo el trailer en español.


sábado, 30 de abril de 2016

En tierra de nadie - Danis Tanovic (2001)

Tras un tiempo de inactividad por distintos motivos, vuelvo a redactar una nueva crítica para todos ustedes, esperando que volvamos a disfrutar juntos de este arte tan apasionante: el cine.

Desde el momento en el que leí el argumento de esta película, me dije a mi mismo que podía ser buena, y efectivamente lo es. Me llamó la atención porque se desarrolla en la guerra de Bosnia, y nunca antes había visto un filme relacionado con este tema o la guerra de Yugoslavia en general.

El argumento es el siguiente: Guerra de Bosnia, 1993. Dos soldados de bandos distintos, uno bosnio y un serbio, se encuentran entre las líneas enemigas, en tierra de nadie. Un sargento de los cascos azules de las Naciones Unidas se dispone a ayudarlos, contraviniendo a las órdenes de sus superiores. Los medio de comunicación no tardan en convertir el asunto en un show mediático de carácter internacional. Mientras la tensión bélica crece y la prensa espera pacientemente nuevas noticias, los dos soldados intentarán por todos los medios salir con vida de tal situación.

El argumento llama la atención, o al menos llamó la mía. La ambición periodística y la estupidez y la locura de la guerra juntos en una película. Mezcla ambiciosa, pero más que conseguida.

La película consigue transmitir muy notablemente la situación de guerra en la que esta transcurre. La crudeza de las trincheras en un paisaje verde e inhabitado. En ese espacio se desarrolla la mayoría de la cinta.

En cuanto a las interpretaciones, son de un nivel muy alto. Están más que conseguidas y el trabajo de los actores se hace notar, haciendo sentir al espectador lo mismo que ellos sienten en el desarrollo de la trama. Consiguen meter al espectador en la película, sin duda.

La dirección de Danis Tanovic es muy buena. El resultado de su trabajo es una película sobria y seria, pero con toques cómicos fruto de las esperpénticas situaciones de la guerra. Fue recompensado con el premio a la Mejor Película de Habla No Inglesa en los Oscar y los Globos de Oro de 2001, venciendo a todo un clásico del cine: "Amélie". Supongo que ahora sí que se hacen una idea de la calidad de esta película.

Cuando vi que este filme venció a "Amélie" en la temporada de premios pensé que debería ser muy buena para haber conseguido tal victoria, y efectivamente, la película es muy buena. Quizá la cinta francesa puede ser más atractiva por su dinamismo y su encanto propios, y quizá "En tierra de nadie" no sea una película tan estética y encantadora como "Amélie", pero la fuerza de su mensaje y sus reflexiones, como poco, consiguen igualar a la cinta de Jean-Pierre Jeunet.

El final es bastante crudo, y muy, muy duro. Consigue transmitir sin necesidad de ningún tipo de artificios los efectos de la guerra en las personas y las consecuencias que esta tiene en su comportamiento, y también la falta de sensibilidad que los medios de comunicación tienen en determinadas ocasiones, cuando solo buscan ganar audiencia dando noticias relevantes a cualquier precio.

En resumen, una película poco conocida, pero muy recomendable. No es muy larga (98 minutos), y probablemente no deje indiferente a nadie. Les hará reflexionar, aunque solo sea un poco, estoy seguro. Merece la pena verla.

Puntuación: 8'1 / 10


Aquí les dejo el trailer de la película en español.




viernes, 11 de marzo de 2016

Buenas noches y buena suerte - George Clooney (2005)

Pocas películas relacionadas con el periodismo o la publicidad han alcanzado el éxito, pero las pocas que lo han hecho ha sido por méritos propios. George Clooney dirige esta película con mano firme, consiguiendo que “Buenas noches, y buena suerte” sea uno de esos pocos filmes periodísticos que ha alcanzado el éxito.

Ambientada en los años 50 en los Estados Unidos, durante la Guerra Fría y el comienzo del periodismo televisivo, la película narra lo siguiente: esta historia real se centra en la disputa que mantuvieron Edward R. Murrow, presentador de la CBS, y el senador McCarthy, abanderado de la cruzada contra el comunismo.

Puede que la trama no sea excesivamente atractiva, pero les aseguro que merece la pena. El ritmo puede parecer un poco lento, pero eso es lo de menos (a mí no se me hizo lenta en ningún momento). El blanco y negro da un aire sofisticado y aporta más seriedad a la cinta, que te traslada a aquellos años 50. Esto tiene bastante mérito teniendo en cuenta que la película está grabada en interiores, y en ningún momento en exteriores. Por lo tanto, primeros puntos a favor: la ambientación y el blanco y negro.

El guión es bastante bueno. Consigue hacernos ver como funcionaba el mundo de la televisión en aquella época, y además narra la historia de forma más que aceptable. Buen trabajo en este apartado de George Clooney y Grant Heslov. Tercer punto a favor.

La dirección de Clooney es uno de los puntos fuertes de la cinta. Todo está bajo control. En una película de interiores es muy sencillo que todo se haga monótono y repetitivo, pero esto no es así en “Buenas noches, y buena suerte”. El detallismo también es algo a tener en cuenta en la cinta. Todo está colocado de una forma concreta por algo, no falta ni sobra nada, parece verdaderamente que estamos en las oficinas de la CBS. Cuarto.

Respecto a las interpretaciones, primero hay que decir que el reparto es bastante bueno, destacando los siguientes intérpretes: George Clooney, David Strathairn, Jeff Daniels, Robert Downey Jr. y Patricia Clarkson. Sin embargo, a pesar de la calidad del elenco, son los dos primeros los que destacan y llevan el peso de la cinta sobre sus hombros. George Clooney ofrece una interpretación muy seria, con un papel muy trabajado. Mr. Nespresso está a un gran nivel en esta cinta. A pesar del buen trabajo de Clooney, Strathairn destaca por encima de todos, brillando continuamente cada vez que aparece en pantalla. Su retrato de Edward R. Murrow está muy conseguido, y por este trabajo consiguió ser nominado al Oscar como Mejor Actor. Cuarto punto a favor.

El mensaje que ofrece la película es lo que le da toda la fuerza, y éste puesto en la boca de Strathairn es imparable. La escena final con el discurso de Murrow es memorable, no porque sea una escena de calidad estratosférica, sino por lo que transmite y por cómo invita a la reflexión y a darnos cuenta de que la mayoría de los programas que hay en la televisión son absurdos y no sirven para nada. Quinto aspecto positivo.

En resumen, por todo esto y por más, esta es una película que no se resigna simplemente a ser exitosa, ganar premios u obtener beneficios, sino que tiene como objetivo principal concienciar, y como dice Murrow al final, enseñar. Un gran filme que forma parte de ese selecto club de películas periodísticas exitosas y reconocidas por la crítica, y no me extraña. Muy recomendable.
Buenas noches, y buena suerte.


Puntuación: 8/10


Aquí les dejo el trailer en español.


lunes, 29 de febrero de 2016

El Renacido (The Revenant) - Alejandro González Iñárritu (2015)

Alejandro González Inárritu es uno de esos pocos directores con estilo propio en Hollywood y que no se deja caer fácilmente en los convencionalismos y el cine comercial. Hace lo que le sale, y como él quedan pocos. En “El Renacido” ha vuelto a realizar una película fascinante en todos los aspectos, haciendo lo que le sale; y haciéndolo como sabe: a un nivel al alcance de muy pocos.

Este sería el argumento: En 1823, en las profundidades de la América salvaje, Hugh Glass, un experto explorador, participa junto con su hijo Hawk en una expedición de tramperos que recolecta pieles. Durante la expedición, Glass resulta gravemente herido por un oso, y es abandonado a su suerte por John Fitzgerald, un traicionero miembro de su equipo. Con su voluntad como única arma, Glass deberá enfrentarse a un invierno brutal en un territorio hostil, y a la guerra constante entre las tribus de nativos americanos, en una búsqueda implacable para conseguir su venganza.

Basada en hechos reales (el personaje de Hugh Glass es real), creo que no sería muy descabellado decir que si esta no es la mejor película de supervivencia jamás realizada, está entre las mejores. La historia en sí derrocha fuerza por la determinación y los miedos de sus personajes principales, y la sensación de estar a la intemperie junto con los personajes es muy real. Todo está más que conseguido.

El responsable en gran parte de esto es el genio Emmanuel “Chivo” Lubezki, el director de fotografía que ha ganado dos Oscar a la Mejor Fotografía de forma consecutiva y que recientemente ha ganado el tercero (consecutivo) por su trabajo en “El Renacido”. Las imágenes del filme son increíbles, y los paisajes te dejan sin aliento. La película se ha grabado con luz natural, lo que da aún más realismo al resultado final, y hace que el “Chivo” se luzca una vez más.

La banda sonora también es de una calidad innegable. Carsten Nicolai y Ryûichi Sakamoto han realizado un gran trabajo, y han conseguido que se cree una simbiosis entre su música y las imágenes espectaculares que se suceden a lo largo de la cinta. A nivel personal, echo de menos la nominación a Mejor Banda Sonora en los Premios de la Academia.

El guión quizá sea el apartado más flojo de la cinta, pero aún así, el resultado final es satisfactorio. En cierto modo es difícil realizar un guión de gran calidad en una película en la que el personaje principal pasa buena parte del metraje solo.

En el apartado interpretativo, sobresalen Tom Hardy y Leonardo Dicaprio. El primero ha conseguido finalmente nominación al Oscar como Mejor Actor Secundario, y creo que merecida. Es uno de los actores de moda en Hollywood, y no me extraña, porque convierte en oro todo lo que toca. Dicaprio, por su parte, ofrece una interpretación desgarradora, con un trabajo físico increíble detrás, y consiguiendo transmitir sin apenas palabras multitud de emociones y sentimientos. Una de las mejores interpretaciones de su carrera (sino la mejor), que le ha valido para conseguir su ansiado Premio de la Academia (ya era hora).

Por último, cabe destacar el trabajo de Alejandro González Iñarritu, que una vez más vuelve a ofrecer una gran película que seguro no ha dejado indiferente a nadie. Su trabajo como director se hace notar, y su sello personal está muy presente en el filme. Un gran trabajo que le ha servido para ganar su segundo Oscar consecutivo como Mejor Director, hazaña que solo han conseguido dos grandes mitos del cine como John Ford o Joseph L. Mankiewicz

En resumen, una gran película que consigue atrapar al espectador en todo momento. Un trabajo artístico de calidad innegable, una fotografía espectacular, interpretaciones a la altura de muy pocos, y una dirección firme y segura. Todos ellos elementos más que suficientes para ver “El Renacido” y dejarse atrapar por su belleza.


Puntuación: 8’1/10


Aquí les dejo el trailer en versión original subtitulado en español.


Ganadores de los Premios de la Academia 2016

En una gala marcada  por la polémica racial y la falta de diversidad, ha habido poco espacio para las sorpresas, quizá siendo la única la victoria de "Spotlight" sobre "El Renacido", aunque tampoco lo calificaría de sorpresa, ya que eran las dos favoritas. Una ceremonia en la que el presentador Chris Rock no ha dejado de lanzar dardos en alusión al racismo de la Academia.

Alejandro González Iñárritu ha sido galardonado por segundo año consecutivo con el premio a Mejor Director, hecho que lo coloca a la altura de grandes mitos del cine como John Ford o Joseph Mankiewicz, únicos directores que han conseguido ganar este premio dos veces consecutivas anteriormente, y a cuyo selecto club se ha añadido ahora Iñárritu. También Emmanuel Lubezki ha pasado a la historia, al ser el primer director de fotografía en ganar el premio a "Mejor Fotografía" tres veces consecutivas.

Sin embargo, el gran triunfador, más allá de la película vencedora o el director premiado, ha sido Leonardo Dicaprio, que 23 años después de su primera nominación por "¿A quién ama Gilbert Grape?" ha conseguido su ansiado Oscar. 

Aquí os dejo la lista con los vencedores:


Mejor película:



  • La gran apuesta (The Big Short)
  • El puente de los espías (Bridge of Spies)
  • Brooklyn
  • Mad Max: Furia en la carretera (Mad Max: Fury Road)
  • Marte (The Martian)
  • El renacido (The Revenant)
  • La habitación
  • Spotlight

Mejor dirección:

  • Adam McKay - La gran apuesta (The Big Short)
  • George Miller - Mad Max: Furia en la carretera (Mad Max: Fury Road)
  • Alejandro G. Iñárritu - El renacido (The Revenant)
  • Lenny Abrahamson - La habitación (Room)
  • Tom McCarthy - Spotlight

Mejor guión original:

  • Matt Charman, Joel & Ethan Coen - El puente de los espías (Bridge of Spies)
  • Alex Garland - Ex Machina
  • Pete Docter, Meg LeFauve y Josh Cooley - Del revés (Inside Out)
  • Josh Singer y Tom McCarthy - Spotlight
  • Jonathan Herman y Andrea Berloff - Straight Outta Compton

Mejor guión adaptado:

  • Charles Randolph y Adam McKay - La gran apuesta (The Big Short)
  • Nick Hornby - Brooklyn
  • Phyllis Nagy - Carol
  • Drew Goddard - Marte (The Martian)
  • Emma Donoghue - La habitación (Room)

Mejor actor protagonista:

  • Bryan Cranston - Trumbo
  • Matt Damon - Marte (The Martian)
  • Leonardo DiCaprio - El renacido (The Revenant)
  • Michael Fassbender - Steve Jobs
  • Eddie Redmayne - La chica danesa (The Danish Girl)

Mejor actriz protagonista:

  • Cate Blanchett - Carol
  • Brie Larson - La habitación (Room)
  • Jennifer Lawrence - Joy
  • Charlotte Rampling - 45 años (45 Years)
  • Saoirse Ronan - Brooklyn

Mejor actor de reparto:

  • Christian Bale - La gran apuesta (The Big Short)
  • Tom Hardy - El renacido (The Revenant)
  • Mark Ruffalo - Spotlight
  • Mark Rylance - El puente de los espías (Bridge of Spies)
  • Sylvester Stallone - Creed

Mejor actriz de reparto:

  • Jennifer Jason Leigh - Los odiosos ocho (The Hateful Eight)
  • Rooney Mara - Carol
  • Rachel McAdams - Spotlight
  • Alicia Vikander - La chica danesa (The Danish Girl)
  • Kate Winslet - Steve Jobs

Mejor película de habla no inglesa:

  • El abrazo de la serpiente
  • Mustang
  • El hijo de Saúl (Saul fia)
  • Theeb
  • A War

Mejor película animada:

  • Anomalisa
  • El niño y el mundo (O Menino e o Mundo)
  • Del revés (Inside Out)
  • La oveja Shaun. La película (Shaun the Sheep Movie)
  • When Marnie Was There

Mejor fotografía:

  • Ed Lachman - Carol
  • Robert Richardson - Los odiosos ocho (The Hateful Eight)
  • John Seale - Mad Max: Furia en la carretera (Mad Max: Fury Road)
  • Emmanuel Lubezki - El renacido (The Revenant)
  • Roger Deakins - Sicario

Mejor banda sonora:

  • Thomas Newman - El puente de los espías (Bridge of Spies)
  • Carter Burwell - Carol
  • Ennio Morricone - Los odiosos ocho (The Hateful Eight)
  • Jóhann Jóhannsson - Sicario
  • John Williams - Star Wars: El despertar de la fuerza (Star Wars: The Force Awakens)

Mejor canción:

  • Earned It - Cincuenta sombras de Grey (Fifty Shades of Grey)
  • Manta Ray - Racing Extinction
  • Simple Song #3 - La juventud (Youth)
  • Til It Happens To You - The Hunting Ground
  • Writing’s On The Wall - Spectre

Mejor montaje de sonido:

  • Mad Max: Furia en la carretera (Mad Max: Fury Road)
  • Marte (The Martian)
  • El renacido (The Revenant)
  • Sicario
  • Star Wars: El despertar de la fuerza (Star Wars: The Force Awakens)

Mejor mezcla de sonido:

  • El puente de los espías (Bridge of Spies)
  • Mad Max: Furia en la carretera (Mad Max: Fury Road)
  • Marte (The Martian)
  • El renacido (The Revenant)
  • Star Wars: El despertar de la fuerza (Star Wars: The Force Awakens)

Mejor documental:

  • Amy
  • Cartel Land
  • The Look of Silence
  • What Happened, Miss Simone?
  • Winter on Fire: Ukraine's Fight for Freedom

Mejor cortometraje documental:

  • Body Team 12
  • Chau, beyond the Lines
  • Claude Lanzmann: Spectres of the Shoah
  • A Girl in the River: The Price of Forgiveness
  • Last Day of Freedom

Mejor cortometraje de ficción, acción real:

  • Ave Maria
  • Day One
  • Everything Will Be Okay (Alles Wird Gut)
  • Shok
  • Stutterer

Mejor cortometraje animado:

  • Bear Story
  • Prologue
  • Sanjay’s Super Team
  • We Can’t Live without Cosmos
  • World of Tomorrow

Mejor montaje:

  • La gran apuesta (The Big Short)
  • Mad Max: Furia en la carretera (Mad Max: Fury Road)
  • El renacido (The Revenant)
  • Spotlight
  • Star Wars: El despertar de la fuerza (Star Wars: The Force Awakens)

Mejor vestuario:

  • Carol
  • Cenicienta (Cinderella)
  • La chica danesa (The Danish Girl)
  • Mad Max: Furia en la carretera (Mad Max: Fury Road)
  • El renacido (The Revenant)

Mejor diseño de producción:

  • El puente de los espías (Bridge of Spies)
  • La chica danesa (The Danish Girl)
  • Mad Max: Furia en la carretera (Mad Max: Fury Road)
  • Marte (The Martian)
  • El renacido (The Revenant)

Mejor maquillaje y peluquería:

  • Mad Max: Furia en la carretera (Mad Max: Fury Road)
  • El abuelo que saltó por la ventana y se largó (Hundraåringen som klev ut genom fönstret och försvann)
  • El renacido (The Revenant)

Mejor efectos visuales:

  • Ex Machina
  • Mad Max: Furia en la carretera (Mad Max: Fury Road)
  • Marte (The Martian)
  • El renacido (The Revenant)
  • Star Wars: El despertar de la fuerza (Star Wars: The Force Awakens)